Une esthétique du mystère et du sacré
Maboroshi est une œuvre singulière qui se mérite. Dès les premiers instants, le spectateur est frappé par une direction artistique de haut vol, signée par le studio MAPPA. Visuellement, le film enchaîne les plans iconiques : ces loups sacrés de fumée et d'acier qui viennent recoudre les fissures d'un ciel en lambeaux sont d'une beauté mystique. Ce travail sur l'image est sublimé par une performance vocale habitée, notamment celle de Reina Ueda (Mitsuomi), dont le timbre apporte une dimension spectrale et intrigante au récit. Le film installe une atmosphère pesante, presque onirique, où chaque détail semble être le fragment d'un puzzle complexe que l'on peine à saisir au premier abord.

Une narration labyrinthique : entre énigmes et fissures

L’intrigue progresse de manière organique, mais déstabilisante. Le film multiplie les zones d’ombre : pourquoi cette aciérie semble-t-elle régir les lois de la physique ? Pourquoi le ciel se brise-t-il comme de la porcelaine ? Au centre de ce chaos se trouve Itsuomi, une adolescente sauvage, sorte d'enfant divine dont l'existence même semble être une menace pour la réalité de Mifuse. On découvre avec stupeur les règles cruelles de ce monde : ici, les émotions fortes sont littéralement mortelles. Le destin de Sonobe, emportée par les loups après s'être « fissurée » sous le poids de son propre cœur, illustre parfaitement cette tension constante entre le besoin de ressentir et l'obligation de rester figé pour survivre.

La métaphore du corps immobile et de l'esprit en mouvement

L’un des coups de maître du film réside dans son utilisation du casting vocal. Entendre des voix d'adultes sortir de corps d'adolescents n'est pas une erreur de production, mais un choix narratif brillant. Dans cette ville de Mifuse où le temps s'est arrêté, les corps sont prisonniers d'une éternelle jeunesse, tandis que les esprits, eux, continuent de vieillir et de mûrir. C’est une métaphore saisissante de l'adolescence : ce moment où l'on se sent coincé dans un rôle alors que notre identité profonde évolue. Le film suggère que le changement n’est pas une disparition, mais une condition nécessaire au bonheur. Si Masamune ne disparaît pas malgré ses idées qui changent, c'est parce que ce monde figé n'est qu'un refuge temporaire, un souvenir idéal dont on ne peut sortir que lorsque l'on accepte enfin d'affronter la douleur du futur.

Une œuvre dense au risque de l'opacité

C’est sans doute là que Maboroshi trouve ses limites. En voulant brasser une multitude de thématiques (le chagrin amoureux, le deuil parental, la peur de grandir, la fatalité) le film finit par perdre un peu de sa clarté thématique. On se demande parfois si l'auteur n'a pas voulu trop en dire, laissant de nombreuses questions sans réponses définitives sur le fonctionnement interne des loups ou la nature exacte de l'acierie. Le récit peine parfois à guider notre attention, flottant entre le drame romantique et la science-fiction métaphysique.

Un ovni cinématographique

Malgré cette complexité parfois frustrante, Maboroshi est un film qui reste en tête bien après le générique. Il ne cherche pas la simplicité d'un film d'action classique ni la limpidité d'un conte familial. C'est une œuvre qui privilégie l'ambiguïté, la symbolique et l'atmosphère à la cohérence pure. En affirmant cette identité radicale, le film s'impose comme une expérience sensorielle unique, nous rappelant que parfois, au cinéma, il n'est pas nécessaire de tout comprendre pour être profondément touché par la mélancolie d'un monde qui refuse de mourir.